Siemens Art Spotlight

Über das Kunstwerk

Brigitte Kowanz’ 2010 entstandenes Werk „Light Up“ besteht aus dynamisch geformten Neonröhren, die auf einer glänzend rot lackierten Holzfläche montiert sind. Bei näherer Betrachtung formen die leuchtend roten Neonröhren die Worte „Light Up“, die auf den ersten Blick nur schwer zu entziffern sind. Die Komposition ist geprägt von expressiven Linien, die nahezu kreisförmig angeordnet sind. Vor allem das „L“ ist stark nach links geneigt, während die übrigen Buchstaben kreisförmig angeordnet sind. Die Buchstaben scheinen ineinanderzugreifen und werden teilweise von der glänzenden Fläche hinter den Neonröhren überdeckt. Die rot lackierte Holzfläche wirkt zunächst wie ein zufälliger Farbakzent, offenbart bei genauerem Hinsehen jedoch die leicht versetzten Außenlinien der Schrift „Light Up“. Mit „Light Up“ zeigt Kowanz, wie Licht als immaterielles Zeichen unsere Wahrnehmung beeinflusst. Die Verbindung von Neonlicht und Schrift erinnert an die urbane Zeichenkultur, erzeugt jedoch statt Information oder Werbung eine poetische Reflexion über das Verhältnis von Raum, Sprache und Licht.

Ausgewählte Werke und Ausstellungen

• „Remember the Future“ – Galerie Krinzinger, Wien, Österreich (2024)
• „realm of experience – out of the blue“ – LVM, Münster, Deutschland (2021)
• „poetics of reality (encoded)“ – Max Goelitz, München, Deutschland (2021)
• „ALWAYS A WAY ALWAYS AWAY“ – Zürich SBB, Europaallee, Zürich, Schweiz (2019–2021)
• „Lost under the Surface“ – Museum Haus Konstruktiv, Zürich, Schweiz (2020)
• „In Light of Light“ – La Biennale di Venezia, Österreichischer Pavillon, Venedig, Italien (2017)
• „Position – N 46°38′47″ E 14°53′31″“ – Galerie im Taxispalais, Innsbruck, Österreich (2011)
• „Infinity and Beyond“ – Museum Liaunig, Neuhaus, Österreich (2007–2008)
• „In vivo – In vitro“ – Max-Planck-Institut, Münster, Deutschland (2006)

Über das Kunstwerk

„The Wings“ ist eine Gruppe von vier monumentalen Skulpturen, die der Architekt und Künstler Daniel Libeskind für die Expo 2015 in Mailand geschaffen hat. Jede Skulptur ist zehn Meter hoch, wiegt 15 Tonnen und besteht aus matt poliertem Aluminium. Ihre Form erinnert an ein geöffnetes Flügelpaar; die facettierten Strukturen sind auch im Inneren begehbar. Nach der Expo wurden die Skulpturen an vier bedeutenden Siemens-Standorten in Berlin, München, Erlangen und Mailand installiert. Gemeinsam bilden sie eine „Innovation Bridge“, die historisch bedeutende Orte des Unternehmens mit der Welt verbindet. Die drei Installationen in Deutschland markieren dabei eine symbolische Achse im Zentrum der Siemens-Geschichte. Die Skulpturen in Berlin und München verfügen über integrierte Licht- und Klanginstallationen. Mit 5.000 LEDs verwandeln sich ihre Oberflächen in digitale Medienfassaden, begleitet von einer Klangkomposition, die Daniel Libeskind gemeinsam mit dem Komponisten Caleb Townsend entwickelt hat.

Ausgewählte Werke und Ausstellungen

• „Ngaren: The Museum of Humankind“ – Rift Valley, Kenia (2024)
• „MO Museum“ – Vilnius, Litauen (2018)
• „Sapphire“ – Berlin, Deutschland (2017)
• „Leuphana Universität" – Zentralgebäude, Lüneburg, Deutschland (2017)
• „Zlota 44“ – Warschau, Polen (2016)
• „The Contemporary Jewish Museum“ – San Francisco, USA (2008)
• „Danish Jewish Museum“ – Kopenhagen, Dänemark (2004)
• „Studio Weil“ – Port d’Andratx, Spanien (2003)
• „Imperial War Museum North“ – Manchester, Großbritannien (2001)
• „Felix-Nussbaum-Haus“ – Museumsquartier Osnabrück, Osnabrück, Deutschland (1998)

Über das Kunstwerk

Die monumentale Skulptur „Schwesterngruppe“ von Georg Baselitz steht seit Juni 2016 im Atrium der Siemens-Zentrale in München. Die knapp vier Meter hohe, zwei Tonnen schwere Bronzeskulptur zeigt ein eng verbundenes Trio von Frauen, die Arm in Arm stehen. Die Feinheiten des Werks erschließen sich erst bei genauer Betrachtung. Die Skulptur wurde zunächst in Holz gearbeitet, anschließend in Bronze gegossen und schließlich mit einer speziellen Oberflächenbehandlung versehen, um die gewünschte schwarze Patina zu erzielen. Nach Baselitz’ eigenen Worten stellt die Gruppe ein „Team“ dar, das Einheit und Zusammenhalt symbolisiert. Das Werk nimmt Bezug auf die Ikonografie der Drei Grazien – ein klassisches Motiv, das Schönheit, Anmut und Freude verkörpert. Baselitz interpretiert dieses Thema mit einer kraftvollen, zeitgenössischen Bildsprache neu. Die Figurengruppe spiegelt zugleich visuelle Erinnerungen aus Baselitz’ Kindheit in seinem Heimatort Deutschbaselitz wider.

Ausgewählte Werke und Ausstellungen

• „The Last Decade” – Sakıp Sabancı Museum, Istanbul (2024/2025)
• „Ich gestehe meine Sünden” – White Cube Gallery, London (2024)
• „adler barfuß” – Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg & Seoul (2024)
• „Baselitz – Akademie” – Gallerie dell’Accademia, Venedig (2019)
• „Georg Baselitz. Die Helden” – Städel Museum, Frankfurt (2016)
• „Remix” – ALBERTINA Museum, Wien (2007)
• „Zero für den Maler” – Kunstverein Braunschweig (2006)

Über das Kunstwerk

Die Schwarz-Weiß-Fotografien von Herlinde Koelbl zeigen vier herausragende Forschende unserer Zeit: Chemiker Richard Zare, Immunologin Faith Osier, Physiker Wolfgang Ketterle und Mikrobiologin Emmanuelle Charpentier. Jeder von ihnen hebt eine offene Hand zur Kamera, beschriftet mit einer zentralen Botschaft aus der eigenen Forschung – so entsteht eine eindrucksvolle visuelle Metapher, die wissenschaftliche Erkenntnis buchstäblich „greifbar" macht. Die vier Porträts sind Teil der Serie Faszination Wissenschaft – 60 Begegnungen mit führenden Wissenschaftlern unserer Zeit, entstanden zwischen 2015 und 2020. Sie umfasst Porträts von 60 international renommierten Wissenschaftler*innen sowie Nobelpreisträger*innen, jeweils gezeigt in ihrem wissenschaftlichen Umfeld. Mit ihrer Kamera erkundet Koelbl die besondere Beziehung zwischen den Porträtierten und ihrem Forschungsgebiet – und fängt dabei nicht nur deren äußere Erscheinung, sondern auch die innere Leidenschaft ein, die sie antreibt. Der gezielte Einsatz von Licht und Schatten verleiht jedem Bild dabei zusätzliche emotionale Tiefe.

Über die Künstlerin

Herlinde Koelbl (*1939) gilt als eine der bedeutendsten deutschen Fotografinnen und Dokumentarfilmerinnen der Gegenwart. Nach einem Modedesign-Studium in München wandte sie sich in den 1970er-Jahren der Fotografie zu und erlangte rasch Anerkennung durch Reportagen für führende Medien wie Die Zeit, Stern und The New York Times. Internationale Bekanntheit erlangte Koelbl mit ihrem Langzeitprojekt Spuren der Macht (1991–1998), für das sie über sieben Jahre hinweg 15 einflussreiche Persönlichkeiten aus Politik und Wirtschaft fotografierte und interviewte. Der daraus entstandene Bildband dokumentiert eindrucksvoll, wie Menschen durch Macht und öffentliche Verantwortung geprägt und verändert werden. Im Zentrum ihres künstlerischen Schaffens stehen zentrale Themen wie Natur und Wandel, gesellschaftliche Strukturen sowie die Entwicklung individueller Persönlichkeiten. Charakteristisch für ihren Ansatz sind Langzeitprojekte, bei denen sie ihre Protagonisten oft über viele Jahre hinweg begleitet. So entstehen nicht nur kraftvolle Porträts, sondern visuelle Erzählungen persönlichen und gesellschaftlichen Wandels.

Sustainability II zeigt fließende, transluzente Formen, die mit einem Gefühl von Schwerelosigkeit und Bewegung durch den Raum driften. Sanfte Töne in Grün, Petrol, Gelb und Beige verschmelzen und überlagern sich, wodurch Tiefe, Rhythmus und ein sanfter visueller Fluss entstehen. Die geschwungenen Linien erinnern an Wind- oder Wasserströmungen und vermitteln Leichtigkeit sowie beständige Transformation. Die Farbpalette greift Themen der Nachhaltigkeit und Natur auf: Grün und Petrol stehen für Wachstum und Verantwortung, während Gelb Energie und Optimismus hinzufügt. Die Komposition vermittelt Transparenz, Offenheit und ein Gleichgewicht zwischen Technologie und Natur und lädt zum Nachdenken über Verantwortung und Zukunftsorientierung ein.

Über das Kunstwerk

Die fotografische Installation entstand in Zusammenarbeit mit dem Siemens Arts Program und der Kuratorin Alexandra von Stosch für das Palais der Siemens-Unternehmenszentrale in München. Aus rund 2.000 Archivmaterialien wählte Struth 57 Bilder aus und kombinierte sie mit eigenen Fotografien, die er an Siemens-Standorten in Berlin, Erlangen, Forchheim und Alpharetta (USA) aufgenommen hatte. Seine Auswahl folgte thematischen, geografischen und chronologischen Kriterien, mit besonderem Fokus auf den Menschen, die das Unternehmen über verschiedene Epochen geprägt haben. Während seine neuen Fotografien technische Innenräume in gedeckten Tönen und klaren Kompositionen zeigen, wirken die historischen Aufnahmen fragmentierter, wodurch eine visuelle Spannung zwischen dokumentarischer Präzision und historischem Kontext entsteht. Das Ergebnis ist eine künstlerische Reflexion über industrielle Entwicklung, technologische Innovation und den Wandel der Unternehmenskultur.

Ausgewählte Werke und Ausstellungen

• „Nature & Politics" – Guggenheim Museum, Bilbao (2019); Martin-Gropius-Bau, Berlin (2016)
• „Thomas Struth: Photographs" – Metropolitan Museum of Art, New York (2014)
• „Figure Ground" – Haus der Kunst, München (2017)
• „Thomas Struth: Photographs 1978–2010" – Museu Serralves, Porto; Whitechapel Gallery, London; K20, Düsseldorf (2011)
• „Museum Photographs" – Hamburger Kunsthalle, Hamburg (1993)
• „Strangers and Friends" – Art Gallery of Ontario, Toronto (1995)
• „Documenta IX" – Kassel (1992)
• „Portraits" – Sprengel Museum, Hannover (1997)
• „Directions" – Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C. (1992)