Siemens Art Spotlight

Acerca de la obra de arte

Obra de arte de Brigitte Kowanz 2010”Iluminar“consiste en una forma dinámica tubos de neón montado sobre una superficie de madera lacada de color rojo brillante. Tras una inspección más cercana, los tubos de neón rojo brillante forman la palabra “Iluminar”, que es difícil de descifrar a primera vista. La composición se caracteriza por líneas expresivas dispuestas casi en un círculo. La “L” en particular está fuertemente inclinada hacia la izquierda, mientras que las otras letras están dispuestas en un círculo. Las letras parecen entrelazarse y están parcialmente cubiertas por la superficie brillante detrás de los tubos de neón. Al principio, la superficie de madera lacada en rojo parece tener un toque de color aleatorio, pero tras una inspección más cercana revela las líneas exteriores de las letras “Light Up”, que están ligeramente compensadas. Con “Light Up”, Kowanz demuestra cómo la luz, como signo inmaterial, influye en nuestra percepción. El una combinación de luz de neón y escritura recuerda a la cultura de signos urbanos, pero en lugar de información o publicidad, crea una reflexión poética sobre relación entre el espacio, el lenguaje y la luz.

Obras y exposiciones seleccionadas

• “Recuerde el futuro” — Galerie Krinzinger, Viena, Austria (2024)
• “reino de la experiencia, de la manera más inagota” — LVM, Münster, Alemania (2021)
• “poética de la realidad (codificada)” — Max Goelitz, Múnich, Alemania (2021)
• “SIEMPRE UNA MANERA, SIEMPRE LEJOS” — Zürich SBB, Europaallee, Zurich, Suiza (2019-2021)
• “Perdido bajo la superficie” — Museo Haus Konstruktiv, Zúrich, Suiza (2020)
• “A la luz de la luz” — La Biennale di Venezia, Pabellón Austriaco, Venecia, Italia (2017)
• “Posición — N 46°38′47″ E 14°53′31″” — Galería en Taxispalais, Innsbruck, Austria (2011)
• “Infinito y más allá” — Museo Liaunig, Neuhaus, Austria (2007—2008)
• “In vivo — in vitro” — Max-Planck-Institut, Münster, Alemania (2006)

Acerca de la obra de arte

“Las alas” es un grupo de cuatro esculturas monumentales creado por el arquitecto y artista Daniel Libeskind para la Exposición Mundial 2015 en Milán. Cada escultura mide diez metros de altura, pesa 15 toneladas y está hecho de aluminio pulido mate. Su forma se asemeja a un par de alas abiertas, y las estructuras multiangulares también son accesibles desde dentro. Después de la Exposición Mundial, las esculturas se instalaron en cuatro ubicaciones principales de Siemens: Berlín, Munich, Erlangen y Milán. Juntos, forman un”Puente de innovación” que conecta sitios históricamente significativos de la compañía con el resto del mundo. Las tres instalaciones en Alemania, en particular, representan un eje simbólico en el corazón del legado de Siemens. Dos de las esculturas, ubicadas en Berlín y Múnich, cuentan con instalaciones integradas de luz y sonido. Con 5.000 LEDs, sus superficies se transforman en fachadas de medios digitales, acompañadas de una composición sonora desarrollada por Daniel Libeskind en colaboración con el compositor Caleb Townsend.

Obras y exposiciones seleccionadas:

• ”Ngaren: Museo de la Humanidad” — Rift Valley, Kenia (2024)
• ”Museo MO” — Museo MO, Vilna, Lituania (2018)
• “Zafiro” — Berlín, Alemania (2017)
• “Universidad Leuphana” — Edificio central, Lüneburg, Alemania (2017)
• “Zlota 44” — Varsovia, Polonia (2016)
• “El Museo Judío Contemporáneo” — San Francisco, Estados Unidos (2008)
• “Museo Judío Danés” — Copenhague, Dinamarca (2004)
• “Estudio Weil” — Puerto de Andratx, España (2003)
• “Museo Imperial de la Guerra del Norte” — Manchester, Reino Unido (2001)
• “Felix-Nussbaum-Haus” — Museo de Historia Cultural, Osnabrück, Alemania (1998)

Acerca de la obra de arte

La escultura monumental “Grupo occidental” (Sisters' Group) de Georg Baselitz ha estado en el atrio de la sede de Siemens en Múnich desde junio de 2016. Esta escultura de bronce de casi cuatro metros de altura y dos toneladas presenta un trío estrechamente conectado de mujeres de pie brazo a brazo. Las complejidades del trabajo solo se hacen evidentes tras una observación cercana. La escultura fue hecha primero en madera, luego reparto en bronce y finalmente tratada con un acabado especial para crear la pátina negra deseada. Según Baselitz, el grupo representa un “equipo” que simboliza la unidad y la solidaridad. La pieza hace referencia a la iconografía de las Tres Gracias, un motivo clásico que representa la belleza, el encanto y la alegría. Baselitz reinterpreta este tema con un lenguaje visual potente y contemporáneo. El grupo de figuras también refleja recuerdos visuales de la infancia de Baselitz en su ciudad natal de Deutschbaselitz.

Obras y exposiciones seleccionadas

• “La última década” — Museo Sakıp Sabancı, Estambul (2024/2025)
• “Una confesión de mis pecados” — Galería White Cube, Londres (2024)
• “Adler Barfuß” — Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburgo y Seúl (2024)
• “Baselitz — Academia” — Gallerie dell'Accademia, Venecia (2019)
• “Georg Baselitz. Los héroes” — Museo Städel, Frankfurt (2016)
• “Remix” — Museo ALBERTINA, Viena (2007)
• “Cero para el pintor” — Kunstverein Braunschweig (2006)

Acerca de la obra de arte

Las fotografías en blanco y negro de Herlinde Koelbl retratan a cuatro destacados investigadores de nuestro tiempo: el químico Richard Zare, la inmunóloga Faith Osier, el físico teórico Wolfgang Ketterle y la microbióloga Emmanuelle Charpentier. En estos retratos, cada sujeto levanta una mano abierta hacia la cámara, inscrita con un mensaje clave de su investigación, creando una metáfora visual sorprendente que hace que la visión científica sea literalmente “tangible”. Estos cuatro retratos son parte del proyecto fotográfico Fascinación por la ciencia: 60 encuentros con científicos líderes de nuestro tiempo, creado entre 2015 y 2020. La serie incluye retratos de 60 científicos de renombre internacional y premios Nobel, cada uno mostrado dentro de su entorno científico. Con su cámara, Koelbl explora la relación especial entre las personas retratadas y sus campos de estudio, revelando no solo su apariencia externa sino también la pasión interior que los impulsa. El uso deliberado de la luz y la sombra juega un papel central, acentuando las expresiones faciales de los científicos y dando profundidad emocional a cada imagen. Cada fotografía cuenta una historia de curiosidad, el deseo de comprensión y la búsqueda incansable del conocimiento.

Sobre el artista

Herlinde Koelbl (*1939) es considerado uno de los fotógrafos y documentalista alemanes más destacados de nuestro tiempo. Después de estudiar diseño de moda en Munich, se volvió a la fotografía en la década de 1970 y rápidamente ganó reconocimiento a través de sus reportajes para los principales medios de comunicación como El día, Stern, y El New York Times. Koelbl obtuvo reconocimiento internacional con su proyecto a largo plazo Rastros de poder (1991—1998), en la que fotografió y entrevistó a 15 figuras influyentes de la política y los negocios a lo largo de siete años. El fotolibro resultante ofrece documentación convincente de cómo las personas son moldeadas y cambiadas por el poder y la responsabilidad pública. Su práctica artística se centra en temas clave como la naturaleza y la transformación, las estructuras sociales y el desarrollo de personalidades individuales. Los proyectos a largo plazo son característicos de su enfoque, a menudo siguiendo sus temas durante muchos años. A través de este proceso, no solo crea retratos poderosos sino también narrativas visuales de cambio personal y social.

SUSTENTABILIDAD II presenta formas fluidas y translúcidas que se desvían por el espacio con una sensación de ingravidez y movimiento. Los tonos suaves de verde, verde azulado, amarillo y beige se mezclan y se superponen, creando profundidad, ritmo y un flujo visual suave. Las líneas curvas evocan corrientes de viento o agua, lo que sugiere ligereza y transformación constante. La transparencia permite que las capas se fusionen, casi como una coreografía silenciosa en el espacio. La paleta de colores refleja temas de sustentabilidad y naturaleza: verde y verde azulado son el crecimiento y la responsabilidad, mientras que el amarillo agrega energía y optimismo. La composición transmite transparencia, apertura y equilibrio entre la tecnología y la naturaleza, invitando a la reflexión sobre la responsabilidad y el pensamiento orientado al futuro.

Acerca de la obra de arte

La instalación fotográfica de Thomas Struth”Coordenadas: Una historia curada de Siemens” (2017) fue creado en colaboración con el Programa de Artes de Siemens y la curadora Alexandra von Stosch para la sede corporativa del Palais of Siemens en Munich. De aproximadamente 2.000 materiales de archivo, Struth seleccionó 57 imágenes y las combinó con sus propias fotografías tomadas en ubicaciones de Siemens en Berlín, Erlangen, Forchheim y Alpharetta (EE. UU.). Su selección siguió criterios temáticos, geográficos y cronológicos, con un enfoque particular en las personas que dieron forma a la compañía en diferentes épocas. Si bien sus nuevas fotografías representan interiores técnicos en tonos apagados y composiciones claras, las imágenes históricas parecen más fragmentadas, creando una tensión visual entre la precisión documental y el contexto histórico. El resultado es una reflexión artística sobre el desarrollo industrial, la innovación tecnológica y la evolución de la cultura empresarial.

Obras y exposiciones seleccionadas

• “Naturaleza y política” — Museo Guggenheim, Bilbao (2019); Martin-Gropius-Bau, Berlín (2016)
• “Thomas Struth: Fotografías” — Museo Metropolitano de Arte, Nueva York (2014)
• “Figure Ground” — Haus der Kunst, Múnich (2017)
• “Thomas Struth: Fotografías 1978—2010" — Museo Serralves, Oporto; Galería Whitechapel, Londres; K20, Düsseldorf (2011)
• “Fotografías del museo” — Hamburger Kunsthalle, Hamburgo (1993)
• “Extraños y amigos” — Galería de Arte de Ontario, Toronto (1995)
• “Documento IX” — Kassel (1992) "Retratos” — Museo Sprengel, Hanover (1997)
• “Direcciones” — Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington D.C. (1992)