Siemens Art Spotlight

Acerca de la obra

La obra de Brigitte Kowanz de 2010»Encender«consiste en una forma dinámica tubos de neón montado sobre una superficie de madera lacada en rojo brillante. Tras una inspección más detenida, los tubos de neón de color rojo brillante forman la palabra «Iluminar», que es difícil de descifrar a primera vista. La composición se caracteriza por líneas expresivas dispuestas casi en círculo. La «L», en particular, está fuertemente inclinada hacia la izquierda, mientras que las demás letras están dispuestas en círculo. Las letras parecen entrelazarse y están parcialmente cubiertas por la superficie brillante detrás de los tubos de neón. La superficie de madera lacada en rojo al principio parece tener un toque de color aleatorio, pero al examinarla más de cerca, se ven las líneas exteriores de las letras «Light Up», que están ligeramente desplazadas. Con «Light Up», Kowanz demuestra cómo la luz, como signo inmaterial, influye en nuestra percepción. El la combinación de luces de neón y escritura recuerda a la cultura de los letreros urbanos, pero en lugar de información o publicidad, crea una reflexión poética sobre la relación entre el espacio, el lenguaje y la luz.

Selección de obras y exposiciones

• «Recuerde el futuro» — Galerie Krinzinger, Viena, Austria (2024)
• «reino de la experiencia, de la nada» — LVM, Münster, Alemania (2021)
• «poética de la realidad (codificada)» — Max Goelitz, Múnich, Alemania (2021)
• «SIEMPRE UN CAMINO, SIEMPRE LEJOS» — Zürich SBB, Europaallee, Zúrich, Suiza (2019-2021)
• «Perdido bajo la superficie» — Museum Haus Konstruktiv, Zúrich, Suiza (2020)
• «A la luz de la luz» — La Biennale di Venezia, Pabellón de Austria, Venecia, Italia (2017)
• «Posición — N 46°38′47″ E 14°53′31″» — Galerie im Taxispalais, Innsbruck, Austria (2011)
• «El infinito y más allá» — Museo Liaunig, Neuhaus, Austria (2007-2008)
• «In vivo, in vitro» — Max-Planck-Institut, Münster, Alemania (2006)

Acerca de la obra

«Las alas» es un grupo de cuatro esculturas monumentales creado por el arquitecto y artista Daniel Libeskind para la Exposición Mundial de 2015 en Milán. Cada escultura mide diez contadores de altura, pesa 15 toneladas y está hecho de aluminio pulido mate. Su forma se asemeja a la de un par de alas abiertas y también se puede acceder a las estructuras multiangulares desde dentro. Tras la Exposición Mundial, las esculturas se instalaron en cuatro sedes principales de Siemens: Berlín, Múnich, Erlangen y Milán. Juntos, forman un»Puente de la innovación» que conecta sitios de importancia histórica de la empresa con el resto del mundo. Las tres instalaciones de Alemania, en particular, representan un eje simbólico en el centro del legado de Siemens. Dos de las esculturas, ubicadas en Berlín y Múnich, cuentan con instalaciones integradas de luz y sonido. Con 5000 LED, sus superficies se transforman en fachadas multimedia digitales, acompañadas de una composición de sonido desarrollada por Daniel Libeskind en colaboración con el compositor Caleb Townsend.

Obras y exposiciones seleccionadas:

• »Ngaren: Museo de la Humanidad» — Valle del Rift, Kenia (2024)
• »Museo MO» — Museo MO, Vilna, Lituania (2018)
• «Zafiro» — Berlín, Alemania (2017)
• «Universidad de Leuphana» — Edificio central, Luneburgo, Alemania (2017)
• «Zota 4» — Varsovia, Polonia (2016)
• «El Museo Judío Contemporáneo» — San Francisco, EE. UU. (2008)
• «Museo Judío Danés» — Copenhague, Dinamarca (2004)
• «Estudio Weil» — Puerto de Andratx, España (2003)
• «Museo Imperial de la Guerra del Norte» — Manchester, Reino Unido (2001)
• «Felix-Nussbaum-Haus» — Museo de Historia Cultural de Osnabrück, Alemania (1998)

Acerca de la obra

La escultura monumental «Schwesterngruppe» (Sisters' Group) de Georg Baselitz se encuentra en el atrio de la sede de Siemens en Múnich desde junio de 2016. Esta escultura de bronce de casi cuatro metros de altura y dos toneladas presenta un trío de mujeres estrechamente conectadas de pie cogidas del brazo. Las complejidades de la obra solo se hacen evidentes al observarla de cerca. La escultura se hizo primero en madera, luego se fundió en bronce y, finalmente, se trató con un acabado especial para crear la pátina negra deseada. Según Baselitz, el grupo representa un «equipo» que simboliza la unidad y la solidaridad. La pieza hace referencia a la iconografía de las Tres Gracias, un motivo clásico que representa la belleza, el encanto y la alegría. Baselitz reinterpreta este tema con un lenguaje visual potente y contemporáneo. El grupo de figuras también refleja recuerdos visuales de la infancia de Baselitz en su ciudad natal de Deutschbaselitz.

Obras y exposiciones seleccionadas

• «La última década» — Museo Sakıp Sabancı, Estambul (2024/2025)
• «Una confesión de mis pecados» — Galería White Cube, Londres (2024)
• «Adler Barfuß» — Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburgo y Seúl (2024)
• «Baselitz — Academia» — Gallerie dell'Accademia, Venecia (2019)
• «Georg Baselitz. Los héroes» — Museo Städel de Fráncfort (2016)
• «Remix» — Museo ALBERTINA de Viena (2007)
• «Cero para el pintor» — Kunstverein Braunschweig (2006)

Acerca de la obra

Las fotografías en blanco y negro de Herlinde Koelbl muestran a cuatro destacados investigadores de nuestro tiempo: el químico Richard Zare, la inmunóloga Faith Osier, el físico teórico Wolfgang Ketterle y la microbióloga Emmanuelle Charpentier. En estos retratos, cada sujeto levanta la mano abierta hacia la cámara, con la inscripción de un mensaje clave de su investigación, creando una impactante metáfora visual que hace que la visión científica sea literalmente «tangible». Estos cuatro retratos forman parte del proyecto fotográfico Fascinación por la ciencia: 60 encuentros con los principales científicos de nuestro tiempo, creada entre 2015 y 2020. La serie incluye retratos de 60 científicos y premios Nobel de renombre internacional, cada uno de los cuales se muestra en su entorno científico. Con su cámara, Koelbl explora la relación especial entre las personas retratadas y sus campos de estudio, revelando no solo su apariencia exterior sino también la pasión interior que las impulsa. El uso deliberado de luces y sombras desempeña un papel central, ya que acentúa las expresiones faciales de los científicos y aporta profundidad emocional a cada imagen. Cada fotografía cuenta una historia de curiosidad, deseo de comprensión y búsqueda incansable del conocimiento.

Acerca del artista

Herlinde Koelbl (*1939) es considerado uno de los fotógrafos y documentalistas alemanes más destacados de nuestro tiempo. Tras estudiar diseño de moda en Múnich, se dedicó a la fotografía en la década de 1970 y rápidamente ganó reconocimiento gracias a sus reportajes para los principales medios de comunicación, como Die Zeit, Stern, y The New York Times. Koelbl alcanzó el reconocimiento internacional con su proyecto a largo plazo Rastros de poder (1991-1998), en la que fotografió y entrevistó a 15 figuras influyentes de la política y los negocios a lo largo de siete años. El álbum de fotos resultante ofrece una documentación convincente sobre cómo el poder y la responsabilidad pública moldean y cambian a las personas. Su práctica artística se centra en temas clave como la naturaleza y la transformación, las estructuras sociales y el desarrollo de las personalidades individuales. Los proyectos a largo plazo son característicos de su enfoque, ya que a menudo siguen sus temas durante muchos años. A través de este proceso, crea no solo retratos poderosos, sino también narrativas visuales del cambio personal y social.

SOSTENIBILIDAD II presenta formas fluidas y translúcidas que se desplazan por el espacio con una sensación de ingravidez y movimiento. Los tonos suaves de verde, verde azulado, amarillo y beige se mezclan y superponen, creando profundidad, ritmo y un flujo visual suave. Las líneas curvas evocan las corrientes de viento o agua, lo que sugiere ligereza y una transformación constante. La transparencia permite que las capas se fusionen, casi como una coreografía tranquila en el espacio. La paleta de colores refleja temas de sostenibilidad y naturaleza: el verde y el verde azulado representan el crecimiento y la responsabilidad, mientras que el amarillo añade energía y optimismo. La composición transmite transparencia, franqueza y equilibrio entre la tecnología y la naturaleza, e invita a reflexionar sobre la responsabilidad y el pensamiento orientado al futuro.

Acerca de la obra

La instalación fotográfica de Thomas Struth»Coordenadas: una historia curada de Siemens» (2017) se creó en colaboración con el Programa de Arte de Siemens y la curadora Alexandra von Stosch para la sede corporativa del Palacio de Siemens en Múnich. De aproximadamente 2000 materiales de archivo, Struth seleccionó 57 imágenes y las combinó con sus propias fotografías tomadas en las sedes de Siemens en Berlín, Erlangen, Forchheim y Alpharetta (EE. UU.). Su selección siguió criterios temáticos, geográficos y cronológicos, con un enfoque particular en las personas que dieron forma a la empresa en diferentes épocas. Si bien sus nuevas fotografías muestran interiores técnicos en tonos apagados y composiciones claras, las imágenes históricas aparecen más fragmentadas, lo que crea una tensión visual entre la precisión documental y el contexto histórico. El resultado es una reflexión artística sobre el desarrollo industrial, la innovación tecnológica y la evolución de la cultura empresarial.

Obras y exposiciones seleccionadas

• «Naturaleza y política» — Museo Guggenheim de Bilbao (2019); Martin-Gropius-Bau, Berlín (2016)
• «Thomas Struth: fotografías» — Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (2014)
• «Figure Ground» — Haus der Kunst, Múnich (2017)
• «Thomas Struth: fotografías 1978—2010» — Museu Serralves, Oporto; Galería Whitechapel, Londres; K20, Düsseldorf (2011)
• «Fotografías de museos» — Hamburger Kunsthalle, Hamburgo (1993)
• «Extraños y amigos» — Galería de Arte de Ontario, Toronto (1995)
• «Documenta IX» — Kassel (1992) «Retratos» — Museo Sprengel de Hanóver (1997)
• «Cómo llegar» — Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington D.C. (1992)